女子美祭2014開催！！

こんにちは。雨が降り続いていたのが、やっと晴れました。
今日から、女子美祭が始まりました。

少しだけですが、芸術表象専攻の展示を紹介したいと思います。

2年生
フェチシズムをテーマにした展示とワークショップをおこなっています。

 ▲場所は5階の奥。この先の教室です。

 ▲この教室です。

　　　　▲手前と奥で違います。奥ではワークショップをおこなえます。

▲1号館エレベーター内も担当しました。

3年生

現在開催中の「ヨコハマトリエンナーレ」のテーマを、芸術表象仕様に変えて共同で作品を制作しました。ワークショップもおこなっています。

 ▲場所は12号館1階、1214教室です。新聞紙で作られた

葉っぱが目印。

▲メインはこれです。写っていませんが、手前にはワー

クショップをおこなう場所もあります。

今年度より、芸術文化専攻の1年生が入学しました。彼女達の展示も紹介します。

 ▲場所は10号館2階の1021教室。2号館2階からの渡り廊

下のすぐ先にあります。

　　▲展示は、授業で学んだ現代アートの作家や作品を中心に、

　　　英語によるクイズと、すごろくを体験することが出来ます。

詳しくは、実際に見に来て体験してください。
それと、芸術表象専攻で担当している「アートプラクティスⅡC」の作品展示もおこなっています。10号館3階にありますので、探してみてください！！


明日からは、オープンキャンパスも兼ねていますので、受験を考えている高校生のみなさんは、是非いらしてください。

女子美祭2014　
場所：女子美術大学 相模原キャンパス（杉並キャンパスでも同時開催）
日時：2014年10月24〜26日　10時〜17時
※詳細はHPをご確認ください
http://joshibisai2014.info/index.htm（相模原キャンパス）
http://joshibifes2014.boo.jp（杉並キャンパス）

同時開催のオープンキャンパスは時間が10時〜16時までと異なりますのでご注意ください。
http://www.joshibi.net/oc_festival2014/

それでは。

芸術表象論特講#17

こんにちは。台風がさって少し暑いかなと思ったら、肌寒く、何を着たらいいのかわからなくなります。

10月1日におこなわれました、「芸術表象論特講」17回目のレクチャーについて少し報告したいと思います。

今回のゲストは、アーティストの白川昌生さんでした。

白川さんには、昨年11月にもこの授業でレクチャーしていただきました。その時はご自身のこれまでのことを中心にお話ししてくださいました。そのことも、このブログに掲載させていただきました。

今回のレクチャーでは、今年の3月15日から6月15日まで群馬県のアーツ前橋で開催された「白川昌生　ダダ、ダダ、ダ　地域に生きる想像☆の力」を中心にお話していただきました。

アーツ前橋は昨年オープンしたアートスペースです。美術館とほぼ同じ機能を持っていますが、美術館とは呼ばずに“アートスペース”としています。これには、前橋市の政治的な問題が絡んでいるそうです。

現代美術というと、一般の人にはわかりにくいと思われています。そのため、市の建物で展示することが税金の無駄遣いだと思っている人もいるそうです。なので、年間で何人の入場者がいたかという数字の問題はついてまわります。使用している建物は、かつて西武デパートだった別館を利用しています。これは、20年程前に西武が撤退してから何もテナントが入らず空のままだったのを、前橋市が買い上げて文化施設へしました。建物は本館と別館があり、本館の地下は地域のスーパーに貸し、2階を図書館と公民館に、他の階は地域にある医療系専門学校へ貸出しました。別館は長らく手付かずでいましたが、それをアートスペースとして再利用することになります。内装のデザインコンペはもともと内々でおこなうところを、現在のアーツ前橋の館長になる方や他の方々からの意見によって、公開となったそうです。

年に2回、春に作家の個展、秋にグループ展を開催し、その間はワークショップなどをおこなうことになっています。収蔵作品もあり、地域で住んでいる作家の絵画作品を中心としているそうです。

実際に白川さんの展示の写真を見せていただきながら、作品の解説なども交えてお話ししてくださいました。

白川さんは、アートの役割を次のように語っていました。

人間の記憶というものは、モノや言葉というのがないと残らないので、その役割のひとつとしてアートがある、そういう働きが出来るのではないかと思っている。絵を描いたり彫刻したりということも、もちろん造形的な味もあるけれど、何か感覚的な、そういうものを残す為の手段として作っている。人間は何も対象がない状態では、記憶を呼び戻したりすることはできないんじゃないか。だからモノがあることで初めて過去が蘇ったりする。例えばマルセル・プルーストではないが、マドレーヌを口にいれたらその味とともに自分の小さい時の思い出が蘇るではないけれど、それはモノがないと蘇らないってことでもある。記憶は忘却と隣り合わせだから、そういうことがなければ蘇ってこないと思う。美術作品の役割はある種、そういうところがあると思っている。絵画でもなんでもいいけれど、見て初めて喚起される、見なければ喚起されない。そいうモノとしてのアートというものはあると思います。

また記憶ということについて、征服する人や支配者というのは、そういうことをよく知っているから、弱い人の心の支えになるような、例えば思い出の家や写真とかそういうモノを取り上げて破壊する。そうするとで、その人にとっての記憶や過去が無くなってしまい、思い出そうとしてもリアルな形で蘇ってはこない。思い出そうとしても、ぼわーっと何かがあるけれど、リアルな形で蘇らせるにはやはりマテリアルなモノが必要になってくる。それを奪ってしまうというのは暴力だけど、戦争は相手の国を殲滅させようとすることだから。その殲滅させてしまうということは、相手の国にある記憶みたいなものをみんな消してしまうということなのではないか、とおっしゃっていました。

今までの作品の中から、いくつかピックアップしていただいて、解説していただきました。写真だけではなく、映像もいくつか見せていただきました。

今の時代、絵画とか彫刻とか数千年前から続いている古いメディアもあり、それは無くならないで、これから先も絵画とか彫刻とかは続いていくのだと思います。その他の新しい様々なメディアは時代とともに増えていき、それを今に生きている人たちは同時に使っていく。今の若い人たちには、こだわらずに有能なメディアで表現してゆけば良いのではないかと思います。というようなことを、白川さんは学生たちにおっしゃってくださいました。

白川さんの作品は、自分が住んでいる場所と自分自身のこと、その場所に住んでいる人々。群馬という場所とそこに住む自分を含めた人々との関わりが作品になっています。そして、白川さんの作品を見ることで、通りすぎて行ってしまう人が地元の記憶を呼び覚ます。その場所で活動する意義はここにもあるのではないでしょうか。学生たちは、アート作品を制作することとは何かを、考えるきっかけになったのではないでしょうか。

アーツ前橋のHPはこちら

http://www.artsmaebashi.jp/?p=3186

それでは。

芸術表象論特講#16

こんにちは。台風が2つも続けてやって来て、驚きです。

9月24日におこなわれました、「芸術表象論特講」16回目のレクチャーについて少し報告したいと思います。

今回のゲストは、美術・映画評論家の西村智弘さんでした。

西村さんは、映像や現代美術の評論を執筆されています。最近は、アニメーションの論文を執筆されたりしているそうです。
今回のレクチャーでは、「日本におけるアニメーションの概念」というテーマでお話してくださいました。
現在では当たり前のように使っている「アニメーション」という言葉ですが、日本で使われるようになったのは、おおよそ1960年代以降からでした。では、それ以前にアニメーションがなかったのかというと、そういうことではなく、アニメーションに該当する作品は存在しました。呼び方も別の言葉を使用していたのですが、アニメーションという言葉が使われないということは、その概念がないのと同じことです。
つまり簡単に言ってしまえば、戦前と戦後では価値観が違っているということなのです。

1960年代、アニメーションという言葉が使われだしたとき、それは何を指していたのか。森卓也『アニメーション入門』（1966）では、アニメーションとはコマ撮りによって作られた映画であると規定されています。それがこの時代に定着したアニメーションの概念でした。

そもそも、アニメーションはいつからあるのでしょうか。これには2つの考え方があるそうです。
ひとつは、エミール・レイノー「テアトル・オプティーク」（フランス、1882）からとする考え方と、もうひとつはスチュワート・ブラックトン「愉快な百面相」（アメリカ、1906）からとする考え方です。エミール・レイノーからとすると、アニメーションは映画よりも早く誕生したことになります（映画は、リミュエール兄弟が1885年に発明しました）。となると、スチュワート・ブラックトンが最初という捉え方になりますが・・・。この「愉快な百面相」は1907年に日本へ「奇妙なるボールト」というタイトルで入ってきました。日本はかなり早い時期、ほとんど同時代的に欧米のアニメーションが入ってきます。
初期のアニメーションは、舞台上で実際に絵を描いていく「ライトニング・スケッチ」の延長からきており、スチュワートが実際にトーマス・エジソンの似顔絵をスケッチしている映像を見せていただきました。
「愉快な百面相」は、黒板にチョークで描いているのをコマ撮りしたものです。切り絵なども用いて、動きをつけました。
漫画絵のようなアニメーションよりも先に、実写によるアニメーションの方がさかんに公開されていました。漫画のアニメーションで日本に最初に入ってきたのは、エミール・コール「The Musical Maniacs」（フランス、1910）でした。この作品は「凸坊新画帖」というタイトルで公開されました。ちなみに、タイトルは内容と関係ないそうです。その後に公開されたC・アームストロング「Isn't Wonderful?」（アメリカ、1914）も「凸坊の新画帖」というタイトルで、漫画アニメを公開する際にこのタイトルで公開することが一般化してしまったそうです。一度話題になると、同じ名前を使ったりする発想からきているようですが、制作された国や作家が違っていても全て同じタイトルなので、区別をつけるときは、サブタイトルに例えば「悪戯小僧の巻」と入れて変化を付けていました。「凸坊」とか「新画帖」だけでも漫画アニメであるということになり、また当時は漫画と言えば喜劇ものだったので線画喜劇とも言ったそうです。
他に、人形映画というのもありました。1930年に公開されたラディスラス・スタレビッチ「魔法の時計」（フランス、1930年）は、当時評判になった人形映画です。この作家の「カメラマンの逆襲」という作品を実際に見せていただきました。ラディスラス・スタレビッチが手掛ける映像に出演しているのは虫ですが、社会風刺の作品も多かったそうです。手法としては現代で言うクレイアニメに似ている気がしました。

戦前の日本には、漫画によるアニメーションが凸坊新画帖、線画、線画トリック、線画喜劇、線画映画、漫画映画、などと呼ばれ、影絵映画、人形映画、絶対映画といったジャンルもありました。アニメーションという言葉では括られていませんが、見る側にとって何が見えているかということで分けられていたようです。そして1960年代になると、コマ撮りで制作しているものをアニメーションと見なす発想が定着します。
現在はアニメーションの概念が崩れている時代で、特に1990年代以降の技術面の向上や進歩によって広がりをみせていて、それまでの概念は通用しなくなっています。いったん崩れてしまったものが元に戻ることはなく、今後アニメーションを規定することはますます難しくなってきていると、西村さんはおっしゃっていました。そうした今は、戦前のアニメーションに対する見方を改めて注目する価値があるのではないか。技法だけで区別できなくなってきているアニメーションは、どういう風に見えているのかということ自体を問題にせざるをえなくなってきている。戦前はアニメーションの概念が確立する前であって、見る側にとってどのように見えているかが問題だった。1960年代以降は、制作技術に重点を置いてアニメーションが概念化されたが、技術の進歩により制作の幅が広がっていった90年代以降は、いったん確立されたアニメーションの概念が解体される状態になっているので、むしろ戦前に近づいているのではないかともおっしゃっていました。
結局のところ、技術面に重点を置く戦後のアニメーションの捉え方は、作り手の視点に立つものです。実際に作品を見る一般のレベルで言えば、その作品がどのように作られているかは二次的な問題であって、その作品が面白いか面白くないかの方に関心があるわけであり、どのように作られているかは気にしないのが普通のことだともおっしゃっていました。

今日、当たり前のように使っている「アニメーション」という言葉ですが、何がそうで何がそうではないということは、あまり深く考えないで言っていることに気がつきました。戦前の様々な言い方について、貴重な作例を見せていただきながら、西村さんに解説していただきました。大きく言えば映像の技術、CGの技術の進歩の目覚ましさが近年見受けられて、誰でも簡単に作れるようになってきていることは、作り手と受け手側の境界をあいまいにしているのでは・・・。美術大学で学ぶ学生としては、そういうことも考えられたのではないでしょうか。

西村さんのHPはこちら

http://nishimuratomohiro.web.fc2.com

西村さんの著作もチェックしてみてください。

『スーパー・アヴァンギャルド映像術ー個人映画からメディア・アートまで』（共著）

『日本芸術写真史ー浮世絵からデジカメまで』

http://www.amazon.co.jp/本-西村-智弘/s?ie=UTF8&page=1&rh=n%3A465392%2Cp_27%3A西村%20智弘

それでは。

芸術表象論特講#15

こんにちは。残暑が厳しい中、大学は9月の２週目から後期授業が始まりました。学生たちにとって夏休みは、あっという間だったかもしれません。

9月10日におこなわれました、「芸術表象論特講」15回目のレクチャーについて少し報告したいと思います。

今回のゲストは、依田徹さん（日本美術史家）でした。

依田さんは東京藝術大学大学院博士課程を修了した後、さいたま市に採用されました。そこで学芸員として、さいたま市大宮盆栽美術館の立ち上げに関わり、3年半ほど勤務されていました。
今回のレクチャーでは、さいたま市大宮盆栽美術館についてお話していただきました。

盆栽美術館は、さいたま市が平成22年に開館した、盆栽を中心とした美術館です。名前の通り主な美術品は盆栽です。地場産業を観光資源として活用しようと誕生した施設です。
現在のさいたま市は、平成13年に浦和市・大宮市・与野市が合併、平成17年に岩槻市を編入して現在の形になりました。旧大宮市には昔、盆栽村というのがありました。現在は北区の盆栽町となっています。
そもそも、盆栽の職人は東京周辺にいました。もともと江戸の名残が東京にありましたが、震災によってそれが破壊されてしまいました。そして関東大震災後の復興による都市計画で、東京を近代都市化させる中で、盆栽園の居場所がなくなりました。盆栽園は広い土地ときれいな空気・水がなければなりません。そうして、震災の翌年に、巣鴨にあった盆栽屋の大手のひとつが大宮の北側に引っ越してきます。そのあたりの土地を借用して開拓し、盆栽家の愛好家が集まる自治村として変えていきます。最盛期には３０件以上あった盆栽園ですが、現在では6件程になりました。盆栽の愛好家たちには、聖地として呼ばれています。盆栽町の難しいところは、高級住宅街へと変貌してしまったことで、地価が高くなっていることです。埼玉県内でも屈指の高級住宅街といわれます。

現在のさいたま市は、政令指定都市であり、東京のベッドタウンとして栄えていますが、観光資源はほとんどありません。昔、秋葉原にあった交通博物館を旧大宮市に誘致するなどしていますが、その場所だけで活性化はしません。そこで、前の市長が大宮に盆栽美術館、岩槻に人形会館（仮）を作る計画を立てました。
盆栽美術館は、当初「盆栽関連施設」としての計画で、コレクションを持たない、展示場的な施設でした。その計画途中で、市ヶ谷にあった「髙木盆栽美術館」のコレクションを購入することになり、コレクションを持つ美術館へと変更します。そこから、設計が進んでいたところを、美術館へ変更しました。

美術館としているので、所蔵品の調査研究をしなければなりません。それが学芸員の仕事でもあります。盆栽はどのような調査をするかというと、来歴を調べることから始まります。資料としては、盆栽の雑誌は明治30年頃に発行されたものがあります。そうしたところからデータを収集。また、盆栽の展覧会は昭和9年から始まっているので、そこからも情報を探します。売り立てのカタログも存在しますから、そうしたところからも調査をおこないます。
収集した過去のデータにある盆栽の写真と、現在の盆栽を見比べて、何がどの盆栽かを調べます。しかし、生き物である盆栽は、年月と共に形も変わっているはずです。見分けられるのか疑問でしたが、依田さんがおっしゃるには、重要なポイントは根元なのだそうです。上の部分（葉や枝とか）は変わっていくけれど、根元はあまり変わらないのだそうです。
また、盆栽の鉢の年代も調べることもしました。しかし、先行研究がありません。日本国内のものならなんとかなったそうですが、中国製となると難しかったそうです。

依田さんは、盆栽美術館の展示品をいくつか見せて、解説してくださいました。

盆栽美術館というので、盆栽は果たして美術なのかという点について、美術だと無理に言わなくても良いのではないかと思っていると、依田さんはおっしゃいました。
そして、盆栽は日本文化かというと、江戸後期に生まれた「盆栽」は、中国趣味の人達が中国から輸入してきた鉢に盆栽を入れることで、現在の形が出来たので、盆栽は中国趣味に属していました。それが昭和になり、盆栽は国風主義だということに乗り換えがおこります。
美術かどうかというよりも、盆栽という文化があり、それを日本人は長年楽しんできたということが重要なのではないかと思っていると、依田さんはおっしゃっていました。

盆栽美術館の立ち上げを通して、美術館を作るのは難しいということをお話ししていただきました。また、盆栽という特殊なものを扱う難しさも同時にありました。学芸員資格取得を目指している学生は、現場の状況を垣間みることができたのではないでしょうか。

そんな盆栽美術館についてはこちら（さいたま市大宮盆栽美術館）

http://www.bonsai-art-museum.jp

依田さんが執筆された書籍がありますので、こちらも是非ご覧下さい（Amazon）

『盆栽の誕生』

http://www.amazon.co.jp/盆栽の誕生-依田徹/dp/4469222364/ref=la_B00BTHOVYE_1_1?s=books&ie=UTF8&qid=1411347944&sr=1-1

『近代の「美術」と茶の湯　言葉と人とモノ』（平成25年度 茶道文化学術奨励賞）

http://www.amazon.co.jp/近代の「美術」と茶の湯-言葉と人とモノ-依田-徹/dp/4784216936/ref=pd_sim_b_3?ie=UTF8&refRID=0W4E56SGPN96RT2JRH9J

それでは。

芸術表象論特講#14

こんにちは。急に肌寒くなって、あの暑い日はどこへ行ってしまったのでしょうか・・・。

7月23日におこなわれました、「芸術表象論特講」14回目のレクチャーについて少し報告したいと思います。

今回のゲストは、アーティストで本学准教授の大森悟先生でした。

大森先生は、洋画専攻の先生です。

これまでの作品を中心に、お話してくださいました。

小さい頃にオタマジャクシをこっそり飼育しようとして、冷凍庫に隠していたところ凍ってしまった。しかし取り出し解凍されると、泳ぎだしたそうです。どうやら、仮死状態になっていたようでした。もしかして、凍らせたりすると、ずっと生きながらえるのかな・・・と思ったそうです。

そんなエピソードから始まったレクチャーですが、これは、後に作品と関連していました。

冷凍庫の中に桜の花と青い鳥が冷凍保存され、照明で照らされています。「桜の花」は、別の作品にも使われているモチーフです。

桜は鑑賞の仕方が、他の花などの植物とは違っているとおっしゃいました。普段、花とかを見る場合には、少し離れたり横から見たりします。しかし、桜は不思議と下に入り込んで見る。見ているのは桜だけではなく、その後ろに広がる空も見ています。昼間だと青空で逆行になり花がかげるが、夜になると花はちょっとずつ白く感じるときもある。またあるとき、ふと桜が5枚の花びらをつけたまま、ぐるぐると回転しながら落ちてきた。どうも鳥がついばんだために落ちたようですが、それを見て、その形が面白いなと思い、花びらを収集して押花を作り始めます。結構しつこく作っていると、今度は量が欲しくなる。しかし収集している数では間に合わないので、夜に取りに行くようになります。暗いなかで収集していると、暗い地面に桜が浮いているように見え、それはまるで水面に漂う花のように見えたそうです。空を背景にした状況と地面のそれぞれの暗さに浮かぶ桜の状況が対になり、垂直の不思議な感覚に襲われたそうです。これらのことがヒントになり、作品の制作に影響していきます。

もうひとつ、作品に影響したことがありました。それは、大森先生の身内が亡くなったことでした。亡くなられた方に対して作品を見せようとして制作してきたことに気づいたため、作品を作る目的がなくなってしまい、どうしたらいいのか、わからなくなってしまったそうでした。しかし、絵を描くことで助けられたのだそうです。

また昨年は、上海にある女子美のギャラリーで展示をしたそうです。

その時は、現地で調達した梱包材（プチプチ）を繋ぎ合わせスクリーンのようにし、そこにグリーンレーザー水平器からの光を照射しました。梱包材は、もともとは日本で提供してもらったものを持って行くつもりでいたそうですが、それが叶わず、やむを得ずに現地調達したそうです。中国の梱包材は日本のものとは違って、空気が入っている部分が柔らかく、一度きりの使用にしか耐えられないものでした。繋ぎ合わせた梱包材は風にゆらされ、照射された光が波のように動きます。作品を写真で見せてくださいましたが、写真ではグリーンの線状のものが会場にあるように写っているのですが、実際には梱包材の空気の部分が一つひとつキラキラ光っていたそうです。とても不思議な空間になっており、1時間くらいずーっと見ている人もいたそうです。

グリーンレーザー水平器の他の作品としては、同じく昨年、銀座のギャラリーで開催されたものがあります。ギャラリーの少し高めの位置に、鏡を同じ間隔で並べていき、その鏡にグリーンレーザーを照射します。一見すると、ぐるーっとグリーンの線に囲まれているようになるそうです。どうなっているのかと鏡を覗き込もうとすると、向こう側にも鏡がありそれが映って見えます。さらに、光源がわからないように、光の中に埋もれるかのように計算して設置してあるために、どこから光が来ているのかわからない。それ以外に何もない、けれど何かあるということを感じる空間になっているそうです。大森先生は、星の輝きを見ていることと同じことを再現しており、光は私たちに見えるまでに時間のずれがあるということを体験する空間にしている。今と過去と未来を繋いでいる、時間の問題を表現されているとおっしゃっていました。

他のグリーンレーザーの作品や、博士課程の修了制作も見せていただきました。

普段、特に洋画専攻以外の学生は先生の作品などに触れる機会がすくないため、新鮮だっとと思います。大森先生の作品は空間そのものも作品のひとつであることから、次回展示があるときにはこのレクチャーを思い出すと、より先生がおっしゃっていたことが深まるのではないでしょうか。

ここから、作品の一部を映像で見ることができます。

https://www.youtube.com/watch?v=ogF2jp3ErFw

大森先生のレクチャーをもちまして、前期は終了致しました。次回は後期、9月に入ってからとなります。それでは。